L'HYBRIDATION DANS LES PROCESSUS DE CRÉATION DES OEUVRES CHORÉGRAPHIQUES CONTEMPORAINES AYANT LES DANSES DE SALON COMME TECHNIQUE DE BASE.

HYBRIDISATION IN THE CREATIVE PROCESSES OF CONTEMPORARY CHOREOGRAPHIC WORKS USING SOCIAL DANCE AS A FUNDAMENTAL TECHNIQUE.

• Auteur / Autrice : Rodrigo Rodrigo
• Direction : Claudia Palazzolo
• Type : Projet de thèse
• Discipline(s) : Arts de la scène et de l'image
• Date : Inscription en doctorat le 02/05/2023
• Etablissement(s) : Lyon 2
• Ecole(s) doctorale(s) : 3LA - Lettres, Langues, Linguistique et Arts
• Partenaire(s) de recherche : Laboratoire : Passages XX-XXI

Mots clés

Mots clés libres

Hybridation

Danses de Salon

Chorégraphie

Hybridisation

Social dance

Choreography

Résumé

La littérature sur la danse en occident a toujours considéré comme une évidence la distinction entre danse de société (danse récréative ou festive) et danse théâtrale (ou danse de scène). D'après Apprill « La danse possède deux versants spécifiques et souvent étanches l'un par rapport à l'autre, celui de la scène et celui du bal au sens large (salon, bal, dancing, thé dansant, réception, fête.) ». Néanmoins, une des caractéristiques des créations artistiques contemporaines est représentée par l'hybridation des matériaux, des références et des techniques qui constituent l'élaboration d'une œuvre. Durant ces dernières années cette séparation traditionnelle entre danse de société et danse théâtrale est aussi troublée par des démarches artistiques qui interrogent la possibilité de mettre en scène des danses de société (traditionnelles, folkloriques, festives, etc.). C'est au XXIème siècle que les pratiques sociales de la danse deviennent une véritable source d'inspiration de la création contemporaine. C'est donc dans ce cadre que nous allons nous interroger sur le concept et les procédures d'« artification » (transformation d'un objet/événement considéré comme non artistique en objet/évènement artistique) de la danse de société souvent définie comme « danse de salon » et analyser la manière selon laquelle a lieu la transposition de cette danse sur une scène. Cela implique de s'interroger sur la nature des changements opérés dans le passage de la danse de salon comme pratique sociale à la danse de salon comme forme artistique. Il s'agit notamment du résultat de procédures de rupture, de maintien et d'hybridation des codes chorégraphiques de la danse de salon en vue d'une théâtralisation. Parmi les danses de société ayant fait l'objet d'une théâtralisation nous avons décidé de nous pencher sur les danses dites « de salon ». La définition répandue par Cellarius , un maître à danser auteur en 1840 du livre Les danses de salon désigne des formes de danses de bal en couple fermées ou ouvertes telles que la valse, la polka et la mazurka, s'étant développées au XIXéme siècle. Les œuvres contemporaines dans lesquelles la danse de salon sert de base créative exigent de cette dernière une adaptation de ses structures chorégraphiques, de ses références symboliques et gestuelles. C'est ce phénomène en particulier que nous voulons analyser dans notre thèse. En effet, compte tenu de l'émergence des danses de salon théâtralisées, démontrée par leur présence dans les festivals et espaces théâtraux pertinents, ainsi que par l'utilisation de leurs techniques dans les créations chorégraphiques de danses contemporaines, on suppose qu'il existe des processus d'hybridation artistique en acte dans les procédures de composition chorégraphique. L'incorporation de nouveaux éléments scéniques, prenant également en compte l'existence du spectateur, ouvriraient la voie au dialogue entre différentes techniques de danse, affectant ainsi la plasticité de ces créations, dans le sens de ce que l'on pourrait appeler « danses hybrides ». Après une rétrospective historique sur les formes de transposition des danses de salon dans l'espace scénique, nous analyserons des œuvres chorégraphiques du XXIème siècles (corpus en cours d'élaboration) qui mettent en scène, à des degrés d'hybridation culturelle et artistique plus ou moins importants, des éléments de la danse salon. Pour ce faire nous nous appuierons sur le travail de Palazzolo concernant l'usage par les chorégraphes contemporains d'un type de gestuelle venant de la danse populaire. De plus, nous réaliserons des entretiens aussi bien avec des danseurs et chorégraphes qu'avec des spectateurs des œuvres du corpus. Pour réaliser l'analyse de ce corpus, nous nous baserons sur les outils et pratiques d'analyse des œuvres de danse présentés par Ginot et Guisgand . Les auteurs suggèrent le développement de ce qu'ils appellent des « trames d'analyse » dans la recherche d'un regard attentif sur les réseaux de relations établis dans les spectacles de danse. Nous nous appuierons également sur les outils proposés par Pavis tels que l'analyse de l'événement scénique, les aspects impliqués dans la représentation, son concept de « spectacle » et les éléments qui le configurent. Nous prendrons également en compte les réflexions de Roquet sur le mouvement dans le cadre des duos. Il faudrait notamment analyser les modalités de la transposition du bal à la scène en termes d'espace (orientation, quête de frontalité), de temps (condensation de la durée, accents) et surtout des implications dramaturgiques que ces transpositions impliquent. Quels thèmes, quels sujets les danses de salon sont-elles en mesure de véhiculer ? Pour quelles raisons assiste-t-on à cette migration des formes et des pratiques de la danse de salon du bal à la scène ? Au-delà du corpus mentionné ci-dessus, nous considérerons aussi notre expérience personnelle et professionnelle. En effet, en tant que danseur-créateur de Mimulus Cia de Dança, professeur de danse de salon et chorégraphe, nous avons pu expérimenter dans la pratique les processus de construction chorégraphique évoqués à travers différents spectacles. Nous avons également pu participer à des travaux de construction chorégraphique dans des compagnies dont les danseurs n'avaient pas la maîtrise des codes de la danse de salon, mais plutôt de la danse classique et contemporaine comme São Paulo Cia de Dança (SP), Ballet au Teatro Guaíra G2 (Curitiba), Théâtre Ballet Castro Alves (Salvador), Companhia Sociedade Masculina (SP) et Studio 3 (SP). Ainsi, cette recherche va se nourrir de l'expérience quotidienne du travail de l'artiste et elle pourra certainement être intégrée et nourrir l'axe thématique « Processus de création » de l'équipe de recherche Passages XX-XXI.

The literature on dance in the West has always taken for granted the distinction between social dance (recreational or festive dance) and theatrical dance (or stage dance). According to Apprill, ‘dance has two specific and often mutually exclusive aspects, that of the stage and that of the ball in the broadest sense (salon, ball, dance hall, tea dance, reception, party, etc.)' Nevertheless, one of the characteristics of contemporary artistic creation is the hybridisation of materials, references and techniques that go to make up a work. In recent years, this traditional separation between social dance and theatrical dance has also been disturbed by artistic approaches that question the possibility of staging social dances (traditional, folk, festive, etc.). It is in the 21st century that the social practices of dance become a true source of inspiration for contemporary creation. It is in this context that we will examine the concept and procedures of ‘artification' (the transformation of an object/event considered to be non-artistic into an artistic object/event) of social dance, often defined as ‘ballroom dance', and analyse the way in which this dance is transposed onto the stage. This involves questioning the nature of the changes made in the transition from ballroom dance as a social practice to ballroom dance as an artistic form. In particular, this is the result of procedures for breaking up, maintaining and hybridising the choreographic codes of ballroom dance with a view to theatricalisation. Among the social dances that have been dramatised, we decided to take a look at the so-called ‘ballroom dances'. The definition used by Cellarius, a dancing master who wrote the book Les danses de salon in 1840, refers to closed or open partner ballroom dances such as the waltz, polka and mazurka, which developed in the 19th century. Contemporary works in which ballroom dance is used as a creative basis require the latter to adapt its choreographic structures and its symbolic and gestural references. It is this phenomenon in particular that we wish to analyse in our thesis. Indeed, given the emergence of theatrical ballroom dance, as demonstrated by its presence in relevant festivals and theatrical spaces, as well as the use of its techniques in contemporary dance choreography, it is assumed that there are processes of artistic hybridisation at work in choreographic composition procedures. The incorporation of new scenic elements, also taking into account the existence of the spectator, would open the way to dialogue between different dance techniques, thus affecting the plasticity of these creations, in the sense of what could be called ‘hybrid dances'. After a historical review of the ways in which ballroom dances have been transposed onto the stage, we will analyse choreographic works from the 21st century (a body of work in progress) which use elements of ballroom dance to varying degrees of cultural and artistic hybridity. To do this, we will draw on Palazzolo's work on the use by contemporary choreographers of a type of movement derived from popular dance. We will also conduct interviews with dancers and choreographers as well as with spectators of the works in the corpus. Our analysis of this corpus will be based on the tools and practices for analysing dance works presented by Ginot and Guisgand . The authors suggest the development of what they call ‘frames of analysis' in the search for an attentive look at the networks of relationships established in dance performances. We will also draw on the tools proposed by Pavis, such as the analysis of the scenic event, the aspects involved in the performance, his concept of ‘spectacle' and the elements that shape it. We will also take into account Roquet's reflections on movement in the context of duets. In particular, we need to analyse the ways in which the ball is transposed to the stage in terms of space (orientation, quest for frontality), time (condensation of duration, accents) and above all the dramaturgical implications that these transpositions imply. What themes and subjects can ballroom dance convey? What are the reasons for this migration of ballroom dance forms and practices from the ballroom to the stage? In addition to the corpus mentioned above, we will also consider our personal and professional experience. As dancer-creator of Mimulus Cia de Dança, ballroom dance teacher and choreographer, we have been able to experiment in practice with the processes of choreographic construction evoked in various shows. We were also able to take part in choreographic construction work in companies whose dancers did not master the codes of ballroom dance, but rather classical and contemporary dance, such as São Paulo Cia de Dança (SP), Ballet au Teatro Guaíra G2 (Curitiba), Théâtre Ballet Castro Alves (Salvador), Companhia Sociedade Masculina (SP) and Studio 3 (SP). This research will draw on the daily experience of the artist's work and will certainly be able to be integrated into and feed into the ‘Creative Process' thematic area of the Passages XX-XXI research team.