L'Art immersif comme réappropriation sensible et sensorielle du Patrimoine Culturel.

Immersive Art as sensitive and sensorial reappropriation of Cultural Heritage.

• Auteur / Autrice : Charline Callet
• Direction : Patrizia Laudati, Paul Rasse
• Type : Projet de thèse
• Discipline(s) : Art
• Date : Inscription en doctorat le 12/10/2022
• Etablissement(s) : Université Côte d'Azur
• Ecole(s) doctorale(s) : SHAL - Sociétés, Humanités, Arts et Lettres
• Partenaire(s) de recherche : Laboratoire : LABORATOIRE DES SCIENCES DE L'INFORMATION ET DE LA COMMUNICATION

Mots clés

Mots clés libres

Exposition immersive

Patrimoine artistique et culturel

Cartographie du mouvement (proprioception); kinesthésie

Multisensorialité (éveil des sens; émotions; perception esthétique)

Médiation; Transmission

Numérique; virtuel

Immersive exhibition

Artistic and Cultural Heritage

Mapping motion; kinesthetic

Multisensoriality awarness (senses; emotions; aesthetic perception)

Mediation; Transmission

Digital; virtual

Résumé

Les Expositions Numériques Immersives (ENI) et, plus largement, les Arts Immersifs, témoignent d'une crise de la représentation (Daniel Bougnoux), où les modèles traditionnels de médiation culturelle vacillent face à l'émergence de nouvelles formes d'interaction entre le spectateur et l'œuvre. Ces dispositifs, à travers une multitude de médias, d'images, de sons et de techniques narratives (tels que les récits ou le ''storytelling''), sollicitent un engagement actif du public. Ils génèrent des expériences qui transcendent la simple contemplation pour devenir des actes d'énaction (Francisco Varela et Humberto Maturana), où la cognition et la perception émergent de l'interaction dynamique entre l'individu et son environnement. Ainsi, les œuvres immersives offrent un espace privilégié pour la réappropriation du patrimoine, permettant de repenser son appréhension et offrant des occasions uniques d'auto-identification et de revendications identitaires. Ces œuvres transforment le rôle du spectateur en créant des espaces interactifs où celui-ci devient un véritable « spect-acteur », participant activement à sa propre expérience culturelle (Manifeste des arts immersifs, Anaïs Bernard). Qui sont ces visiteurs ? Quelles sont leurs attentes et leur niveau de connaissance des médias immersifs ? Quels sont leurs parcours culturels et leurs connaissances des médias immersifs ? Plus largement, quelles sont les répercussions de ces expériences sur leur perception du patrimoine culturel immatériel ? Le Manifeste des Arts Immersifs souligne l'importance de ces nouvelles pratiques artistiques, qui, en conjuguant multimodalité, technologie et narration, réinventent les relations entre l'œuvre et le spectateur. Ces pratiques s'inscrivent également dans une démarche d'Éducation Artistique et Culturelle (EAC), soutenue par l'Éducation nationale, qui vise à promouvoir des valeurs d'empathie, de tolérance et d'inclusivité, tout en renforçant la cohésion sociale. Dans ce contexte, l'art immersif ne se contente pas d'élargir l'accès au patrimoine ; il le redéfinit en jouant sur les perceptions sensorielles, narratives et émotionnelles. Des artistes comme Jeffrey Shaw et Maurice Benayoun ont repensé l'interaction entre le public et l'œuvre, créant des environnements où le public devient partie intégrante de l'expérience. Cette participation active renouvelle la relation au patrimoine. Plus récemment, des artistes comme Gianfranco Iannuzzi, à travers des projets tels que ceux de Culturespaces, ont contribué à populariser ces environnements immersifs. En jouant sur les sensations et les émotions, ces dispositifs permettent à chacun de s'identifier au patrimoine à travers son propre vécu et de tisser de nouvelles formes d'appartenance collective. L'omniprésence des écrans et l'utilisation de technologies de pointe bouleversent la perception du réel. Selon Bruno Monnier, directeur de Culturespaces, le numérique est devenu un formidable vecteur de diffusion, amplifiant les émotions et favorisant l'accès à un large public. En mettant en lumière le caractère collectif de la beauté, ces dispositifs invitent les visiteurs à une expérience esthétique partagée, où chacun peut « y trouver son compte avec sa propre grille de lecture ». Ils placent le visiteur au cœur de l'expérience, permettant une approche kinesthésique et esthésiologique inédite, où chaque individu est invité à redécouvrir l'héritage culturel de manière plus intime et personnelle. Dans le domaine de la muséologie, des chercheurs comme Cécile Tardy et Dominique Poulot ont exploré les transformations des institutions muséales à l'ère numérique et leur impact sur la médiation culturelle. François Mairesse et Serge Chaumier ont également contribué à la réflexion sur les nouvelles pratiques muséographiques et leur rôle dans la construction du sens. Le concept d'AN-ICON de Jean Davallon souligne pour sa part l'évolution des modes de représentation dans les musées contemporains. Enfin, les théories d'Ernst Gombrich et de Rudolf Arnheim sur la perception et la cognition visuelles offrent un cadre pour comprendre comment ces nouvelles formes d'art immersif influencent notre compréhension et notre appréciation du patrimoine culturel.

The advent of Immersive Digital Exhibitions (ENI) and, more broadly, the Immersive Arts reflects a crisis of representation (Daniel Bougnoux). The advent of Immersive Digital Exhibitions (ENI) and, more broadly, the Immersive Arts reflects a crisis of representation (Daniel Bougnoux). This is evidenced by the fact that traditional models of cultural mediation are being challenged by emerging forms of interaction between the viewer and the artwork. These devices employ a plethora of media, images, sounds, and narrative techniques (such as storytelling), thereby requiring the active involvement of the audience. Such experiences transcend mere contemplation, becoming acts of enaction (Francisco Varela and Humberto Maturana). Cognition and perception emerge from the dynamic interaction between the individual and their environment. Immersive works thus offer a privileged space for the reappropriation of heritage, enabling us to rethink our understanding of it and offering unique opportunities for self-identification and identity claims. These works redefine the role of the spectator by providing interactive spaces in which they become ‘spect-actors', actively participating in their own cultural experience (Manifeste des arts immersifs, Anaïs Bernard). Who are these visitors? What are their expectations and their level of knowledge of immersive media? What are their cultural backgrounds and their knowledge of immersive media? More widely, what impact do these experiences have on their perception of intangible cultural heritage? The Immersive Arts Manifesto highlights the importance of these new artistic practices, which, through a combination of multimodality, technology and narrative, are reinventing the relationship between the work and the viewer. These practices are also part of an approach to Artistic and Cultural Education (EAC), supported by the French Ministry of Education, which aims to promote values of empathy, tolerance and inclusiveness, while strengthening social cohesion. In this context, the term ''immersive art'' is used to describe a form of artistic expression that has the potential to expand access to heritage resources while simultaneously reshaping how those resources are perceived. This is achieved by engaging the senses, storytelling, and emotions in a way that is both immersive and interactive. Artists such as Jeffrey Shaw and Maurice Benayoun have redesigned the interaction between the public and the work, creating environments where the public becomes an integral part of the experience. This active participation renews the relationship with heritage. In more recent times, artists such as Gianfranco Iannuzzi, through projects such as those of Culturespaces, have helped to popularize these immersive environments. By playing on sensations and emotions, these devices enable people to identify with heritage through their own experience, and to weave new forms of collective belonging. The omnipresence of digital screens and the increasing prevalence of cutting-edge technologies are gradually influencing and disrupting our understanding of reality. As Bruno Monnier, Director of Culturespaces, has observed, digital technology has become an extremely effective means of dissemination, amplifying emotions, and reaching a wider audiences. By emphasizing the collective aspect of beauty, these devices prompt visitors to engage in an aesthetic experience, wherein each individual can ''find their own way of reading.'' They situate the visitor at the heart of the experience, offering an unparalleled kinaesthetic and aesthetic approach in which each person is encouraged to re-discover and reconnect with what can be considered as our cultural heritage in a more intimate and personal way. In the field of museology, researchers such as Cécile Tardy and Dominique Poulot have explored the transformations within museum institutions in the digital age and their impact on cultural mediation. François Mairesse and Serge Chaumier have also contributed to the reflection on new museographic practices and their role in meaning-making. The concept of AN-ICON by Jean Davallon highlights the evolution of representation modes in contemporary museums. Finally, the theories of Ernst Gombrich and Rudolf Arnheim on visual perception and cognition provide a framework for understanding how these new forms of immersive art influence our comprehension and appreciation of cultural heritage.