la beauté limite ou le réveil du sublime sur les scènes contemporaines

borderline beauty and sublime in contemporary theater

• Auteur / Autrice : Sophie Rieu
• Direction : Didier Plassard
• Type : Thèse de doctorat
• Discipline(s) : ARTS spécialité Etudes théâtrales et spectacle vivant
• Date : Soutenance le 28/06/2019
• Etablissement(s) : Montpellier 3
• Ecole(s) doctorale(s) : École doctorale 58, Langues, Littératures, Cultures, Civilisations (Montpellier ; 2015-....)
• Partenaire(s) de recherche : Laboratoire : Centre de recherche Représenter, inventer la réalité du romantisme à l'aube du XXIe siècle
• Jury : Président / Présidente : Amos Fergombé
• Jury : Examinateurs / Examinatrices : Alix de Morant
• Jury : Rapporteurs / Rapporteuses : Baldine Saint Girons

Mots clés

Mots clés contrôlés

Sublime (art)

Transgression

20e siècle

Théâtre

Mots clés libres

Théâtre

Contemporain

Beauté

Transgression

Sacré

Danse

Theater

Contemporary

Beauty

Sublime

Sanctify

Dance

Résumé

Après une première phase de réflexion portant sur les traces d’un sacré bataillien chez Jan Fabre, tout en élargissant le corpus à d’autres artistes contemporains (Abattoir fermé, Romeo Castellucci, Pippo Delbono, Yves-Noël Genod, Alain Platel, Gisèle Vienne et quelques autres), cette thèse propose de mettre en lumière les manifestations, sur les scènes contemporaines, d’une beauté atypique, amorale, parfois obscène, que nous avons choisi de nommer « beauté-limite ».La première partie de la thèse tente de définir ce concept en parcourant les multiples définitions qu’a pu revêtir la beauté à travers les âges : divine, synonyme d’harmonie ou de vérité, bizarre (Baudelaire), disloquée (Expressionnisme), extraordinaire et intense (avant-gardes), etc. Aussi surprenant que cela puisse paraître, la beauté-limite n’est parfois pas étrangère à l’effroi ni au dégoût. Parce qu’elle est excessive, elle est arrachement. Et elle tisse avec le spectateur un lien émotionnel et sacré tel qu’elle s’apparente au sublime. Pourtant, cette question est absente de la recherche en arts du spectacle ; il nous a donc fallu nous appuyer sur les travaux existants en arts visuels, en esthétique et parfois en psychanalyse.Le merveilleux, le rêve et le conte, les motifs populaires du carnaval et du cirque font souvent partie des compositions scéniques actuelles. Par ailleurs une « terreur belle » - souvent imprégnée d’un romantisme monstrueux et proche du sublime - caractérise certains spectacles (ceux de Romeo Castellucci par exemple). L’apport de la poésie, de la danse, de la musique, l’intégration de techniques cinématographiques sont autant d’éléments dont la combinaison peut susciter le sentiment du sublime. Nous nous sommes également interrogée sur le corps ; particulièrement présent, parfois sursignifiant, ne serait-il pas, dans certaines circonstances, source de sublime ? Le corps, en effet, qu’il soit naturel, organique, informe, érotique, sacrifié, nous ouvre des mondes d’où surgit une beauté «terrible».Mais pour accéder au sublime, explique Baldine Saint Girons, il faut accepter de voir le réel sans les yeux de la raison et de la logique. Autrement dit, il ne suffit pas que le spectateur soit confronté à l’illimité ; encore faut-il qu’il consente à se laisser porter par l’incertitude (et parfois l’abstraction) qui caractérise certaines formes dites postdramatiques. Nous avons tenté d’analyser ce qu’il peut alors se produire dans le corps du spectateur. La« pensée iconique » - développée par Nicole Everaert-Desmedt à partir de la sémiotique peircienne – est particulièrement adaptée à l’analyse de spectacles déroutants, qui tirent le regard vers le mystérieux et l’invisible. Restent des points d’interrogation : quels sont les effets du sentiment sublime ? Peut-on, à l’instar de certains metteurs en scène, parler raisonnablement d’effet cathartique ? À quoi bon provoquer une « commotion émotionnelle » ? N’y a-t-il pas là un effet purement spectaculaire et gratuit ? … Ou, au contraire, n’est-il pas envisageable que, faisant l’expérience du sublime, le spectateur entrevoit la possibilité de se libérer d’une «vie à contrecoeur » ? (Breton).

After a first phase examining the traces of a the Batallian Sacred in the work of Jan Fabre, while widening the corpus to other contemporary artists (Abattoir fermé, Romeo Castellucci, Pippo Delbono, Yves-Noël Genod, Alain Platel, Gisèle Vienne and a few others), this thesis aims to highlight the manifestations, on contemporary scenes, of an unusual, amoral, and sometimes obscene beauty that we have named 'borderline beauty '.The first part of the thesis attempts to define this concept. To this end, we have moved through the many definitions of beauty developed in the history of art : divine, synonymous with harmony or truth, bizarre (Baudelaire), dislocated (Expressionism), wonderful and intense (avant-gardes), etc. Whilst it may seem surprising, borderline beauty is also sometimes close to fear and horror, or even disgust. Because it is excessive, it is uprooting. Given borderline beauty connects the viewer with such strong feelings and establishes such a sacred link, it is also related to the sublime. However, this question is not researched within the field of performing arts and we therefore had to rely on material from visual arts, aesthetics and psychoanalysis.The marvelous, dreams and tales, the carnival and the circus are elements that often form part of contemporary performing arts. Moreover, a ‘beautiful terror’ – which is often influenced by monstrous romanticism and is close to the sublime – characterizes some shows (Romeo Castellucci’s ones for instance). The contributions of poetry, dance, music, and cinematographic techniques, when combined, contribute as well to the feeling of the sublime. Central to performing arts, the body is then at the core of this signifying process. As it is strongly present and sometimes over-signifying, is it a source of the sublime as well ? Be it shown as natural, organic, amorphous, erotic, or sacrificed, the body is actually the vessel for a ‘terrible’ beauty.Although, in order to reach the sublime, as Baldine Saint Girons explains, one must accept to see reality without the eyes of reason and logic. In other words, it is not enough for the spectator to be confronted with the unlimited; it is necessary to consent to let oneself being carried away by the insecurity (and sometimes the abstraction) that characterizes certain so-called postdramatic forms. In that context, we have analyzed what may happen to the body of the spectator. ‘Iconic thinking’ – a term coined by Nicole Everaert-Desmedt from the theory of signs developed by C.S. Peirce – is particularly adapted for the analysis of disturbing spectacles which are interested in the mysterious and the invisible. Some questions remain: what are the effects of the sublime? Some directors talk about cathartic effects: can it be considered as such ? What are the advantages of provoking an ‘emotional shock’? Aren’t such shocks purely based on spectacular and theatrical effects? Or, on the contrary, could we consider that when experiencing the sublime, the spectator catches a glimpse of freeing himself from what André Breton called a “life with reluctance”?